Les bandes originales ont toujours fait partie de l’identité des jeux vidéo, mais certaines ont réussi à aller plus loin et sont devenues reconnaissables même pour ceux qui n’ont jamais joué à leurs titres respectifs. Que ce soit grâce à une mélodie marquante, au moment où elles retentissent ou simplement parce qu’elles ont accompagné des millions de joueurs pendant des décennies, ces musiques ont contribué à définir des franchises entières et sont devenues de véritables symboles de la culture gamer.Des consoles 8 bits aux jeux modernes, beaucoup d’entre elles continuent d’être réutilisées, remixées et interprétées lors de concerts à travers le monde. Dans cette liste, nous avons réuni certaines des bandes originales les plus emblématiques de l’histoire du jeu vidéo ainsi que les histoires qui se cachent derrière chacune d’elles et, si vous avez des questions, il vous suffit de laisser un commentaire.Tetris ThemeImaginez créer un jeu seul, avec des ordinateurs moins avancés et technologiques que votre Nintendo, pendant votre temps libre au travail et, contre toute attente, en faire un succès mondial qui a même surmonté des barrières politiques et, malgré cela, ne pas gagner le moindre argent grâce à cela pendant des années.C’est la situation dans laquelle s’est retrouvé Alexey Pajitnov, dans l’ancienne Union soviétique, lorsqu’il a créé Tetris en 1984.Le créateur de Tetris a vu son jeu être copié de disquette en disquette, distribué à tous les employés de l’entreprise, publié sur différents systèmes de console, devenir l’un des principaux responsables de la popularisation de la Game Boy dans le monde, et pourtant, il n’a commencé à gagner quelque chose grâce à son jeu qu’après 10 ans.En plus du jeu mondialement célèbre, la bande originale de Tetris est elle aussi mondialement célèbre, mais pas l’originale. Dans la vidéo ci-dessus, vous entendez la musique originale, appelée « Korobeiniki », qui peut être traduite par quelque chose comme « Les colporteurs ». La musique est un thème folklorique russe adapté au chiptune de la Game Boy par Hirokazu Tanaka, devenant la version que nous connaissons tous. Il est très improbable de trouver quelqu’un qui n’a jamais joué ou vu Tetris de sa vie, et encore plus qu’il n’ait jamais entendu sa musique ; elle mérite donc la première place de cette liste.Green Hill Zone ThemeEn voici une autre que beaucoup de gens reconnaissent dès les premiers accords. Le thème du niveau Green Hill Zone, le premier niveau du jeu Sonic The Hedgehog de 1991, est devenu une marque de fabrique de la franchise, tout comme le niveau d’île tropicale que le hérisson le plus rapide du monde a traversé en courant pour la première fois.Aujourd’hui encore, dans pratiquement tous les jeux de Sonic, le premier niveau est un stage similaire à Green Hill, avec des arbres, de l’herbe verte et un ciel bleu, et Green Hill elle-même, avec son thème, est présente d’une manière ou d’une autre dans pratiquement tous les jeux. Que ce soit sous la forme d’une version revisitée ou d’une copie fidèle du niveau original pour attirer l’attention des fans nostalgiques.Le thème emblématique du niveau Green Hill Zone du premier Sonic the Hedgehog (1991) a été composé par le musicien japonais Masato Nakamura, du groupe Dreams Come True, qui continue de participer aux compositions de la série à ce jour. Masato a également composé le thème d’Emerald Hill, dans Sonic 2, et a finalement ajouté des paroles à la musique pour célébrer les 35 ans de la sortie du premier jeu, sous le titre « Up to Green Hill », que vous entendez ci-dessus.World 1-1 ThemeTout aussi emblématique que le thème précédent, rivalisant avec lui en popularité et en renommée mondiale, le thème du niveau World 1-1 de Super Mario Bros. est l’une de ces musiques que nous reconnaissons dès les premières notes et qui est également présente au début de pratiquement tous les jeux de la franchise. Que ce soit en raison de son niveau de reconnaissance et de popularité ou pour attirer les fans nostalgiques, cette musique est indélébilement liée à l’identité de Super Mario.Le thème emblématique de World 1-1 dans Super Mario Bros. de 1985, officiellement connu sous le nom de « Ground Theme » (« Thème du sol », ce qui a du sens puisque, dans le niveau suivant, Mario commence au sol avec cette musique et, lorsqu’il passe sous terre, la musique change), a été composé par le légendaire musicien japonais Koji Kondo. Kondo a dû composer en utilisant la puce sonore de la console 8 bits, qui ne disposait que de trois canaux audio pour les notes musicales et d’un canal de bruit pour les percussions.La musique, influencée par les rythmes caribéens, transmettait l’ambiance du jeu en accompagnant les mouvements du joueur. En 2023, « Ground Theme » est devenue la première musique de jeu vidéo de l’histoire à être préservée dans le prestigieux Registre national des enregistrements de la Bibliothèque du Congrès des États-Unis, aux côtés de classiques de la musique mondiale.Guile's ThemeNous avons passé des années à écouter les musiques de Street Fighter II dans les salles d’arcade et sur consoles tout en jouant à nos parties du jeu de combat de Capcom et, pour être honnête, beaucoup de ces musiques sont sous-estimées.C’est le cas, par exemple, du thème de Ryu, qui a reçu une magnifique version à la flûte dans la websérie Street Fighter Assassin's Fist. Cependant, celui qui est devenu célèbre sur Internet est le thème du combattant américain Guile. Le thème du combattant dans Street Fighter II a été composé par la musicienne japonaise Yoko Shimomura.Elle est largement considérée comme l’une des femmes les plus importantes et influentes de l’histoire de l’industrie du jeu vidéo et a également travaillé sur les thèmes d’autres combattants, comme ceux de Ken et Chun-Li. Avec sa formation érudite et classique, Yoko ne pensait pas que ses musiques étaient suffisamment bonnes pour les jeux de combat, mais Capcom les a adorées et utilise encore ses thèmes aujourd’hui dans les jeux de la franchise.Le thème de Guile est devenu populaire sur Internet grâce aux mèmes « Le thème de Guile va avec tout », qui faisaient jouer la musique au milieu de n’importe quel type de vidéo, démontrant que, réellement, le thème va avec pratiquement tout, d’un garçon qui se bat avec la poubelle de chez lui jusqu’au combat final contre le dictateur M. Bison.One-Winged AngelUn autre thème de jeu vidéo célèbre parmi les gamers et probablement même en dehors de la bulle des joueurs de RPG japonais. One-Winged Angel est le thème du méchant Sephiroth de Final Fantasy VII et a popularisé l’idée que « quand la musique est en latin, c’est que le méchant est très puissant et que le combat va être intense ». Et c’est vraiment le cas. La musique est réellement à la hauteur de l’ampleur de la bataille que nous affrontons en faisant face au plus puissant soldat de la ShinRa, qui a tué notre grande amie Aerith et envoie un météore dans notre direction.La chanson, dont les paroles sont en latin, comporte des passages inspirés de poèmes médiévaux et le refrain « Estuans interius, ira vehementi / SEPHIROTH! », qui pourrait être traduit par « Brûlant intérieurement, d’une colère violente / SEPHIROTH! ». Pendant des années, la musique a été réutilisée dans toutes les apparitions de Sephiroth dans d’autres médias, comme le film « Final Fantasy VII Advent Children » ou sa participation à Kingdom Hearts.« One-Winged Angel » a été composée par le musicien japonais Nobuo Uematsu. Souvent appelé « le John Williams du jeu vidéo », son impact sur la musique orchestrale dans les jeux est reconnu par tous. En plus du thème de Sephiroth, Nobuo a également composé d’autres musiques pour la franchise FF, comme « To Zanarkand » (FFX), « Aerith's Theme » (FFVII) et l’iconique musique de victoire de la franchise, qui mérite elle aussi une place dans cette liste de thèmes reconnus par tous.Sons of SkyrimL’iconique « Hu hu ha… Hu hu ha… », qui donne son ton épique et viking au thème musical du Dragonborn dans The Elder Scrolls V: Skyrim, est devenu une marque de fabrique de la franchise. Bien que « Sons of Skyrim », composé par le musicien américain Jeremy Soule, soit le plus populaire de la franchise, les thèmes du troisième et du quatrième jeu, « Reign of the Septims » et « Nerevar Rising », également de Jeremy Soule, sont encore considérés comme meilleurs par de nombreux musiciens et spécialistes lorsqu’il est question de musique.Malgré cela, la musique de Skyrim a donné un ton entièrement nouveau à la musique de TES grâce à son chœur de voix masculines puissantes, chantant dans la langue créée pour les dragons spécialement pour le jeu. Afin de donner l’impression qu’une armée entière de barbares nordiques chantait, Soule a enregistré une chorale professionnelle de 30 chanteurs masculins. Il a ensuite superposé trois fois le même enregistrement en studio, créant l’effet acoustique massif d’un chœur de 90 voix.Les paroles écrites dans la langue des dragons sont restées sans traduction pendant des années après la sortie du jeu en 2011, jusqu’à ce que les fans commencent à suivre les indices présents dans le jeu et à apprendre la langue créée par Bethesda. Aujourd’hui, nous pouvons traduire le chant barbare entonné par les musiciens et honorer correctement le Dragonborn. « Sons of Skyrim » n’est peut-être pas la meilleure chanson d’un point de vue musical, mais elle est certainement aussi populaire que la flèche dans le genou.Lavender TownDans la première génération de Pokémon, le thème de Lavender Town est l’un des plus connus. En vérité, la première génération a défini la franchise avec ses musiques iconiques, comme la musique du titre, « Pokémon Main Theme », et celle des combats, « Battle! (Wild Pokémon) », mais la musique de la ville de Lavender n’est pas iconique uniquement pour sa mélodie reconnaissable : elle est aussi entourée de plusieurs histoires curieuses.La musique a été composée par Junichi Masuda et possède plusieurs particularités, comme les notes aiguës et dissonantes qui composent la piste. En utilisant le chiptune de la Game Boy, il a créé un son aigu qui provoque une sensation assez inconfortable chez le joueur lorsqu’il traverse le cimetière. De plus, des légendes urbaines à propos de la musique se sont propagées sur Internet.Les légendes racontent que la musique était en réalité composée de chants de religions shintoïstes et bouddhistes utilisés pour exorciser les esprits, et que les enfants qui l’écoutaient avaient des maux de tête parce que les esprits se mettaient en colère à cause de la musique. D’autres histoires affirmaient que la musique comportait des sons binauraux que seuls les enfants pouvaient entendre, ce qui leur causait des maux de tête. Bien entendu, aucune de ces deux histoires n’a été confirmée.Dr. Wily Stage 1Parmi toutes les musiques de l’ère 8 bits, peu parviennent à transmettre autant d’adrénaline que le thème du premier niveau de la forteresse du Dr. Wily dans Mega Man 2. Après avoir vaincu tous les Robot Masters et enfin atteint la cachette du méchant, peu importe le nombre de fois que vous avez joué : il suffit d’entendre les premières secondes pour savoir que l’heure du défi final est arrivée.Sorti en 1988 sur la Nintendo 8 bits, Mega Man 2 est considéré par de nombreux fans comme le meilleur jeu de toute la franchise.Il a amélioré pratiquement tous les aspects du premier titre, avec des niveaux plus créatifs, des boss plus difficiles et une bande originale qui a contribué à faire de la série l’une des plus grandes références parmi les jeux d’action de l’ère 8 bits. Le thème est devenu l’une des musiques les plus célèbres de la franchise et a été réutilisé, remixé et réinterprété d’innombrables fois au fil des ans.La composition est signée Takashi Tateishi, connu sous le surnom d’Ogeretsu Kun, qui travaillait chez Capcom durant le développement du jeu. Même limité par le petit nombre de canaux audio de la NES, il est parvenu à créer une musique extrêmement marquante, considérée par beaucoup comme l’une des meilleures compositions de l’histoire du jeu vidéo.Techno SyndromeBien qu’elle ne soit apparue dans aucun des jeux de la franchise Mortal Kombat, la chanson Techno Syndrome, du groupe belge The Immortals, est fortement associée à la franchise et a été l’un des thèmes les plus diffusés dans les années 1990.Son début avec une respiration forte et haletante, comme celle d’un combattant prêt à entrer sur un ring, la voix du narrateur du jeu disant « Test your Might » et le cri « Mortal Kombat » sont devenus un hymne pour tous ceux qui fréquentaient les salles d’arcade à la recherche d’un jeu de combat rempli de sang et de violence.Le thème a été commandé par Midway Games pour une publicité du jeu, et les musiciens ont utilisé la voix du narrateur Kyle Wyatt, qui a crié « Mortal Kombat », ainsi que la voix numérisée d’Ed Boon, l’un des créateurs du jeu, pour le reste des répliques, comme les noms des personnages qui sont « chantés » pendant la musique.Malgré le succès du morceau, Techno Syndrome est passée inaperçue pendant des années, jusqu’à ce que la bande-annonce de Mortal Kombat 11 la remette en mémoire. C’est le genre de musique qui n’a jamais été jouée dans aucun des jeux, mais que tout le monde sait chanter ou, au moins, crier « Mortal Kombat » sur son rythme.Streets of Rage ThemePeu de bandes originales de beat ’em up parviennent à être aussi reconnaissables que l’introduction de Streets of Rage. Il suffit des premières secondes du rythme électronique pour se souvenir d’Axel et Blaze marchant dans les rues de la ville, distribuant des coups de poing, des coups de pied et des coups sautés contre des gangs criminels. C’est l’une de ces musiques qui définissent totalement l’identité d’un jeu et dont on se souvient encore plus de trente ans après sa sortie.Sorti en 1991 sur Mega Drive, Streets of Rage met en scène trois anciens policiers affrontant l’organisation criminelle dirigée par Mr. X, avançant dans les rues remplies d’ennemis et de boss tout en frappant tout le monde. La bande originale a joué un rôle fondamental dans la création de l’atmosphère urbaine du jeu, mêlant house, techno, hip-hop et musique électronique à une époque où peu de jeux exploraient ces styles musicaux.La musique a été composée par Yuzo Koshiro, l’un des compositeurs les plus respectés de l’industrie du jeu vidéo. Inspiré par les boîtes de nuit japonaises et la scène électronique de la fin des années 1980, il a créé une bande originale devenue aussi emblématique que le jeu lui-même. En plus de composer pour les jeux vidéo, Yuzo est DJ et inclut dans ses sets les thèmes qu’il a composés pour le jeu, qu’il joue dans les clubs où il se produit.
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